2016. január 31., vasárnap

Vonarstræti / Life in a Fishbowl

Ez a - egyébként magyarul rendkívül szellemesen fordított Akváriumban élni - 2014-es izlandi filmdráma voltaképpen túl sok újdonsággal nem szolgál, mégis az egésznek van egy sajátos hangulata, ha úgy tetszik bája, amelytől nagyon szerethetővé válik. Nem hibátlan a film, sőt, sokszor igen is kiszámítható és hatásvadász is, de ezeket meg lehet bocsájtani neki, hiszen a legtöbb esetben a speciális történetvezetés okozza ezeket a "bakikat". A film három szereplő történetét meséli el. Különböző, ugyanakkor alapjában véve mégis hasonló problémákkal küzdenek. Természetesen van egy pont ahol a szereplők sorsa összekapcsolódik, melynek a történet szempontjából természetesen funkcionális jelentősége van. 
Ez a keret tehát nem újszerű, mégis a szerzők (Birgir Örn Steinarsson, Baldvin Zophoníasson) megpróbálták ezt a többször ellőtt sémát egy kicsit kifordítani. Eleve a történet több szálon futtatása felkelti az érdeklődést, no meg igen különböző életutakat látunk: gyerekét egyedül nevelő fiatal óvónő, aki csak bájai áruba bocsájtásával tudja rendezni számláit, lecsúszott író, aki naphosszat piál, a focit a bankszakmára cserélő tisztességes családapa, akinek naivsága napról napra szerte foszlik. Ezek a szálak a film utolsó harmadában találkoznak, tehát viszonylag sok időt hagynak a kibontakozásra, a különböző karakterek fejlődésére. Ez a kapcsolódási pont azonban nem nyílt, a szereplőkben ez nem tudatosul, nincs a háttérben konkrét esemény, vagy ok, amely indokolná a szálak találkozását. Ebből a szempontból egy kicsit különbözik a hasonló filmektől. Jelen esetben mindenki küszködik a maga dilemmáival, és maga a találkozás indukálja minden szereplő esetében a döntés meghozatalát, azonban a szereplők nem osztják meg ezeket egymással, nincs sorsközösség, nincs patetikusság sem. Nem nyílt tehát ez a kapcsolódási pont, ezeket csak a nézők tapasztalják, csak bennünk tudatosulnak ezek a dolgok. 
A történet finoman csepegteti a szereplők múltját, miközben haladunk a történéseken, kezd minden világossá válni. A múltbeli események tükrében viszont a nézők is kapnak egy dilemmát, mégpedig azt, hogy hogyan bánunk a lehetőségekkel, miatt is kezdünk velük? Mások vagyunk, mindannyian másképpen élünk vele, a szereplők sem ugyanazokat a tanulságokat vonják le, noha mindannyian a kegyetlen világ szorításától, saját múltbéli démonuktól szenvednek.
A film kitűnő szociográfia is egyben, hiszen a gazdasági világválság mélypontjáról éppen kievickélő Izland minden nyomorúsága benne van. Az elszigeteltség klausztrofóbiája, az anyagi kiszolgáltatottság, a biztonság egyetlen megmaradt alappillérének, a családnak a széthullásától való félelem, valamint a biztonság illúziójának szétbomlásából adódó feszültség. Ezek az egyéni sorsokon keresztül különbözőképpen jelennek meg, de minden egyén szenved a maga naivságával ettől a környezettől, ergo saját múltjától. A környezet ugyanis kitűnő metaforája a feldolgozatlan traumáknak.
A karakterek nagyon szerethetőek, köszönhetően a lassú építkezésnek, bár maga a történetvezetés ront egy kicsit az élményen, hiszen egy picit valószínűtlen, hogy a kapcsolódási pont változtatja meg alapvetően az összes szereplő attitűdjét, életét. Ettől függetlenül mégsem elnagyolt, sőt kifejezetten hasznos is ez a húzás, hiszen így érzékeltethető az, hogy mindenkinek más a tanulság.
Nagyon megfogja az embert a filmből áradó eredendő jóindulat, a jó értelemben vett naivság, romlatlanság, és ebből adódóan erős érzelmeket vált ki az emberből. Számomra mindig katartikus az emberségesség ábrázolása, és ez a film az ember igazságosság tudatára is nagy hatással van. Ráül a néző mellkasára, mégis katartikus alapvető optimizmusából adódóan, éppen ezért nem nyomasztó. Ettől függetlenül napokig kattog rajta az ember.

8/10

(Mellesleg Thor Kristjansson látványával nem lehetett betelni. :))

2016. január 28., csütörtök

Underworld - I Exhale video



Kezdem megszokni az új dalt. Asszem kezd tetszeni, amelyhez a video nagymértékben hozzájárult.

Massive Attack, Tricky & 3D - Take It There video




Áááá! Ez baromira bejön. Mindig is bírtam a MA rock-osabb irányát. Zeneileg elég oldschool, és egyenesen a Radiohead jutott róla eszembe. Azt pedig meg sem mertem álmodni, hogy valaha látunk még egy jó video-t a bandától. Tricky pedig, hát igen ő már nagyon hiányzott, a hangjától mindig forr a vérem!!!!!! Azonnal az EP-t!!!

L' Instant De Guerlain Pour Homme


Végre megjött a drága. Szerencsére már a negyedik munkanapon megérkezett, és hát nincs más hátra, mint tesztelni az édest. Viselve fogja megmutatni az igazi arcát, most elég legyen annyi, hogy ebben is van levendula, méghozzá a szívjegyben. Még ugyan nem éreztem ki belőle, de majd idővel összeáll a kép. Igazi téli illatnak ígérkezik. Fogok róla írni.

2016. január 27., szerda


Már egy jó ideje rá vagyok kattanva a naturkozmetikumokra, éppen ezért öröm mindig felfedezni valami újat. Az Yves Rocher, az Alverde, és a The Bodyshop termékei mellett ez is méltó helyet foglalhat majd, ha beválik. A levendula újabban nagy kedvencem, és illatra is igen férfias, így nem zavaró. Egyébként is tele rakom szárított levendulával a kéglit, úgyhogy én imádom az illatát. A L' Occitane nem gyárt annyi terméket, mint egy Bodyshop, de nem is az a kategória szerintem. A kézkrémet rögtön tesztelem!

2016. január 26., kedd

Flying Lotus - FUCKKKYOUUU (a short film by Eddie Alcazar)



Végre lehet látni nyilvánosan is Eddie Alcazar rövidfilmjét, amelyhez Flying Lotus komponált aláfestő zenét. "With the ability to travel in time, a lonely girl finds love and comfort by connecting with her past self. Eventually faced with rejection she struggles with her identity and gender, and as time folds onto itself only one of them can remain." Ennek tekintetében nagyon durva!!

2016. január 25., hétfő

The Chemical Brothers - Wide Open (ft. Beck) video


Na erre nem is számítottam, mármint, hogy a legkedvesebb dalom kap video-t az albumról. Ráadásul Dom & Nic rendezésében, állat!

Beacon - IM U video


Best videos 1996


2016. január 21., csütörtök


Shearwater - Only Child

Elég kellemes indie zene ez, ideje már valami újat hallgatni!

Beacon - IM U

Tycho - Awake (Remixes)

Végighallgatva a remix albumot meg kell állapítsam, sokkal változatosabb mint maga az Awake. Mégis kedvet kaptam az alapmű végighallgatásához is, főleg, hogy kedves emlékek fűznek hozzá!

Shearwater - Quiet Americans video


2016. január 20., szerda

Best songs 1996



The Fugees - Killing Me Softly With His Song/Ready or Not
Celine Dion - Because You Loved Me
Robert Miles - Children/Fable/ One&One
Oasis - Champagne Supernova
Alanis Morissette - Ironic/You Learn
Babylon Zoo - Spaceman/Animal Army
George Michael - Jesus to a Child/Fastlove
Deep Blue Something - Breakfast At Tiffany's

The Prodigy - Breathe/Firestarter
The Smashing Pumpkins - 1979/Tonight Tonight

Faithless - Insomnia/Salva Mae
Jamiroquai - Virtual Insanity/Cosmic Girl
Sheryl Crow - If It Makes You Happy
No Doubt - Just a Girl

Tori Amos - Caught a Lite Sneeze/Prefessional Widow

 
Enigma - Beyond the Invisible/TNT for the Brain

The Chemical Brothers - Setting Sun
Neneh Cherry - Woman
The Cranberries - Salvation
Jewel - Who Will Save Your Soul?
U96 - Heaven
La Bouche - Be My lover
The Bucketheads - Got Myself Together

Björk - Hyper-Ballad
Everything But The Girl -Wrong
DJ Hooligan - System Ecstasy
BBE - Seven Days One Week
Corona - I Don’t Wanna Be a Star
N-Trance - Electronic Pleasure

Orbital - The Box
Zhi-vago - Celebrate the Love
Dj Quicksilver - Bellissima/I Have a Dream
Imperio - Veni Vidi Vici

RMB - Spring
X Perience - A Neverending Dream
The Soundlovers - Run Away

 
Future Breeze - Why Don’t You Dance With Me
Nomansland - 7 Seconds
Apollo Four Fourty - Krupa

Skunk Anansie - Hedonism

Tricky - Poems/Makes Me Wanna Die

Lamb - Gorecki
Hooverphonic - 2 Wicky
Sneaker Pimps - 6 Underground

The Beloved - Satellite
Garbage - Milk/#1 Crush

Mekkora állat volt ez az év is! Annyi jó dal volt, rengeteget ki is hagytam. Egyre vállalhatóbbnak érzem ezeket a dalokat, bár a német/holland/olasz vonalból még itt is vannak, de ezektől jóval gagyibbakat hagytam ki, mondjuk a happy hardcore-t képviselőket. Ebben az évben már nagyon nyomult a trip-hop, egyre több előadó jelent meg, igazi klasszikusok születtek. Tricky Makes Me Wanna Die-ja, a Sneaker Pimps 6 Underground-ja és a Lamb Gorecki-je hatalmas klasszikusokká váltak. Ez utóbbin mind a mai napig el tudok érzékenyülni, az egyik legepikebb trip-hop ballada of all time. Az Orbital The Box-a a kedvenc agymenésem tőlük, főleg a video-val együtt égett bele az agyamba. Morisette Ironic-jára kb. ugyanannyiszor őrjöngtem torkom szakadtában mint Amos Professional Widow-jára. Ezt a két dalt rongyosra pörgettem akkor. Az Oasis Champagne-ja a kedvenc dalom tőlük a Live Forever mellett. Aztán emlékszik még valaki a Spaceman-re? Én azt hiszem egy Levi's reklámban hallottam először, és rögtön megfogott a kellemes dark-sága. Kár, hogy ez az ürge (Babylon Zoo) teljesen eltűnt, pedig első és egyetlen albuma is nagyon pöpec volt. És hát mire buliztunk akkortájt? Még mindig ment az eurodance (X Perience, Soundlovers, Corona, Imperio), aztán a rave kezdett már inkább house zenévé szelídülni (Quicksilver, Hooligan, Future Breeze). No meg megjelent a tiszavirág életű dreamhouse is (Robert Miles, Zhi-vago). Ezek azért rendezték a party terepet, amelyet színesített az akkor éppen stílust újra értelmező Everything But The Girl, vagy az éppen kibontakozó big beat (Apollo 440, The Chemical Brothers). A Setting Sun már csak az Oasis láz miatt is ultraérdekes volt akkor. Sok mindent ki lehetne emelni még, de tartogatom az albumokra.


2016. január 19., kedd

Flaskepost fra P / Palackposta trailer



A Q Ügyosztály újabb története. A trailer megint zseniális. De vajon a film ezúttal jól fog e teljesíteni?

School of Seven Bells - Open Your Eyes / On My Heart

A két dalt hallgatva nem igazán vagyok meggyőzve. Azt kell mondjam semmi érdekes, de ez még akár változhat is.

Illum Sphere - Second Sight

!!!!!

Choir Of Young Believers - Perfect Estocada


Már nincs sok hátra, és hallgathatjuk az új albumot. Eddig az összes beharangozó dal bejött, ez egy kissé vírd, de lehet szokni kell.

A visszatérő / The Revenant

Az utóbbi időben Alejandro González Iñárritu filmjei mintha elkezdtek volna a közhelyesség irányába tartani, mind tartalmi, mind pedig filmes eszköztár tekintetében. Már a 2010-es Biutiful-ban érezni lehetett a túlcsordult moralitás talaján kialakult giccset, de ha őszinték vagyunk magunkkal ennek csírája már a Bábel-ben (2006) megvolt, csak kitűnő érzékkel tartotta egyensúlyban a dolgokat, nem lehetett érezni a szájba rágást a film kapcsán. A tavalyi Birdman nem kívánt több lenni egy végeláthatatlan giccsözönnél, de mégis hiteles tudott maradni, hiszen a tartalom és a forma méltóan képviselte ezt az irányvonalat. A Birdman-ről részletesebben itt írtam.
Nehéz ügy ez a Visszatérő esete. Az mindenképpen látszik, hogy rengeteg munka van benne. Eszköztárában maximalizmusra törekedtek az alkotók, hiszen gyönyörű a fényképezés, és szívbe markoló a score is hozzá, mindennek tetejében pedig a kettő funkcionálisan is kerek egészet alkot. Itt megint csak azt tudom mondani, hogy eszköztárában giccsparádé ezerrel, de kit zavar ez, hiszen jóleső érzés ez az érzékeknek, és ráadásul nem céltalan, hiszen a tartalmat szolgálja. Ugyanakkor közel sem csupán romantikába hajló érzék kényeztetés zajlik itt. A naturalista ábrázolásmód uralkodik a filmben, amely találkozik egy túlélő történettel, és ez a fajta dualitás már sok(k). A gyönyörű természeti képek mellett ott van kontrasztban a természet vadsága, vagyis tulajdonképpen az emberé. Mi mindent megteszünk az életben maradásért? Spoiler mentesen csak azt tudom erre mondani, hogy gyomor kell hozzá, mert itt mindent élesbe kapunk, Iñárritu-s közeliekkel, rekord idős vágás nélküliséggel. Ezzel egyszersmind közelebb akar minket hozni a történethez, a karakterekhez, ugyanakkor ezzel egy időben el is idegenít tőlük a túlnyomott naturalizmus miatt. Nyilván tudatos ez a húzás, és voltaképpen a maga nemében zseniális is, hiszen nem mindennap liheg a "szemüvegünkre" egy grízli, de az undor miatt kevésbé tudunk izgulni a főhősért. Szóval furcsa és újszerű ez a kettősség, de ennek jóval több hátrányát érzem mint előnyét.
A giccs nem csak az eszköztárban jelenik meg, a tartalmat sem kerüli el, és voltaképpen ettől a ponttól megy az élvezhetőség rovására. Hiába alapul a történet megtörtént eseményeken, sokszor képtelenségeket látunk. Mint mindenki, én is próbáltam az elején kanyar nélkül megkajálni a történetet, de amikor már az x-edik hajmeresztően necces dolgot látja az ember, felmerül benne, hogy nagyobb valószínűleg a forgatókönyvíró fantáziája, mint ahogyan ez az egész történhetett. Persze alapjáraton ezzel sincs baj, hiszen a művészi szabadság nagyon fontos, de itt tudatosan a maximálisra lett hajtva ez a faktor. Az x-edik képtelenségnél már nem lehetett komolyan venni az egészet. No de a fokozásoknak nincs itt vége. Az ember közel három óra hosszán keresztül tömény kínlódást néz. A szenvedés exponenciálisan nő a képtelenségek számával, valamint találkozik a naturalista ábrázolásmóddal. A legrosszabb az, amikor a végén az ember summázza, hogy tulajdonképpen amit itt most látott az nem más, mint egy "tegyünk rendet bosszúállós" túlélő dráma, vagy valahol olvastam: túlélő pornó. Ez a fajta summázás persze elég egysíkú, mert ettől persze jóval több érték szorul a filmbe, de az alapja mégis ez. 
Hogy egy teljesen közhelyes morális látásmód is legyen a filmben, lehet gondolkozni életről, halálról, kulturális különbségekről (indiánok), de ez elveszik a történetben, illetve pont olyan mértékben van jelen, amelyet egy átlag amerikai fogyasztó még képes befogadni. A moralizálást jelen esetben Iñárritu nem nyomta túl. Hiába Dicaprio szenvedéstörténete, színészi játéka nem jön át igazán. Ez Hardy-ról is elmondható. Előző filmjeihez képest gyenge a karakterábrázolás. Egyszerűen két dimenzióban létezik a film ebből a szempontból. Dicaprio a jó fiú, míg Hardy a bad boy. Nincs hiteles személyiségrajz, nem épülnek a karakterek, végig konstansok maradnak. Egyszerűen nem tudjuk ezeket a karaktereket szeretni, együtt érezni velük, vagy izgulni értük. A naturalizmus elidegenítő jellege, és a történet hihetetlenbe hajló giccsözöne pedig még inkább rásegít erre.
Nem lesz emlékezetes ez a film, mert sajnos nem áll egységes egészbe. A túltolt túlzás mind tartalmában és formájában jelen van, de nincs lelke a filmnek, amelytől szerethető lenne, amelytől emlékezetessé válna.

5/10

2016. január 15., péntek


Akkor kezdődhet az esti műszak. Ezt hozattam Pannonhalmáról, remegve várom az élményt!

Végre ismét tél


2016. január 13., szerda

Issey Miyake Nuit D' Issey Parfum

Tegnap beugrottam a dögleszbe, mert végre meg akartam szaglászni a Nuit d' Issey parfüm változatát. Az állam is leesett a meglepődéstől. A Nuit d' Issey eau de toilette változatáról itt írtam. Már a toilette változat is lenyűgözött, mert olyan régi módi hatásúnak éreztem. A parfüm változat sokkal lágyabb, bársonyosabb, édesebb, olyan őszes halántékú  daddy-hez odabújós illat. Az a fajta, mikor érzed, hogy véged van, egy másik dimenzióba kerülsz. A toilette-ben volt valami szúrós, szerintem a fás jegy és a vetiver keveredése lehetett, ebben azonban elsősorban a balzsamos jegyek és a bőr uralkodik. Mondanom sem kell mindkettőt csuklóra fújtam (természetesen nem ugyanarra), mert kíváncsi voltam, hogyan viselkednek rajtam. Ez nem egy jó ötlet, mert így is keveredik a két illat, de közel hajolással azért bele lehetett menni az elemzésbe. Hiába csodálatos és végre ötletes kreáció mindkettő, magamon érdekesen működött. Nem éreztem milyen hatókörrel rendelkeznek, tartósságra természetesen a parfüm volt jobb. Először a toilette volt szimpatikus, a fás-vetiver-es buké miatt fantáziadúsabb illatnak tűnt, mint a sima édes parfüm változat. Azonban amikor az utóbbiból eltűnt az alkohol, kellemesen púderes illattá változott, azonban a bőrömön nem párolgott kellőképpen, csak közelről lehetett érezni. A toilette bizony jobban párolgott. Aztán fordult a kocka, a parfüm változat tovább érződött a kezemen, és valami eszméletlen egyensúly van benne. Nagyon intim illat, nem hívja fel nagyon a figyelmet, közvetlen közelről lehet érezni. Nem tudni, máson is így működik e, de egy parfümtől én nagyobb hatókört várok el. Mindkettő bejövős, dönteni lehetetlen a kettő között, mindegyikben van valami jó, de a bőröm úgy tűnik elnyeli őket, úgyhogy nem hiszem, hogy jó választások lennének. Pedig sátrat állító fajták, nagyon!

Miike Snow - Genghis Khan video



Muris kis tündérmese! Egész jó kis dalok ezek eddig. Lehet nem is lesz gáz az új album?

9 April

A háborús drámák sohasem álltak hozzám közel, de a skandinávok többször is bebizonyították már, hogy tudnak ezekbe is életet lehelni. A cselekmény mellett, mindig hangsúlyosak a belső történések, amelyek egy érdekes elegyet alkotnak. A Láng és Citrom (Flammen og Citronen, 2008), valamint a Max Manus (2008) kitűnő referenciapontok a témában, de az Into the White (2012) is kellemesen újszerű és friss hatással bírt.
A filmet Roni Ezra rendezte, akinek ez az első nagy játékfilmje, előtte szinte csak rövidfilmeket rendezett. A forgatókönyvet Tobias Lindhom (Emberrablás, 2012) jegyzi, aki mind rendező-íróként, mind pedig forgatókönyvíróként is bizonyította, hogy képes új látásmódot bevinni a dán filmművészetbe. A kettő tulajdonképpen egy jó ómen lehet, amikor is a lassan "mester" megpróbálja kihozni az újoncból a maximumot. A film egyértelmű meglepetést okozott, hiszen nem próbált más lenni, mint egy klasszikus háborús dráma. A drámai elemek túlsúlyáról nem beszélhetünk, éppen annyira adagolják ezeket, hogy ne mozdítsák el a cselekmény fókuszpontját. A film egyértelműen a cselekményre épít, amelyet a film cím választása is megerősít. 
Egy nap eseményeit követhetjük nyomon a dán hadsereg dél jütlandi biciklis és motorkerékpáros osztagában. 1940 április 9-én Dánia háborúban állt Németországgal, miután a németek átlépték a déli határt. Az osztagot parancsban oda rendelték, hogy feltartóztassák addig a hadsereget, amíg az erősítés meg nem jön. Az persze nem érkezik meg, és innentől érdekes fordulatot vesz a történet. Abban az értelemben ugyanis nem klasszikus háborús film ez, hogy nem a katonák hős cselekedeteire helyezi a hangsúlyt. A cselekmény nagy része a visszavonulási stratégiára épül, amelybe (dán filmről lévén szó) belecsempésznek az alkotók némi moralizációs kérdéseket. A katonaságban a parancs szent, de mi történik akkor, ha ez a parancs nem ésszerű? A parancs a haza megvédése, de mi van akkor ha az alhadnagynak azzal kell szembesülnie, hogy emberei megsebesülnek, és sorra elhullanak? A film kísérletet tesz az alhadnagy vívódásának ábrázolására, ahol a parancs teljesítése találkozik azzal az igénnyel, hogy az alhadnagy megvédje az embereit, hiszen ő felel értük. Ez a fajta ábrázolás azonban közel sem olyan mélységű, mint ahogy ezt a dánoktól megszokhattuk. Sokkal inkább érzem azt, hogy bedobták ezt a témát, de kidolgozása valamiért elmaradt. Ha jobban belegondolunk, lehet a film emésztését teszi ez könnyebbé, szélesebb közönséghez jut így el ezáltal. Mindenesetre ez menti meg a filmet, annak ellenére, hogy e téren hiányérzetem van. A film végső csattanója, a rádöbbenés, enélkül a szál nélkül nem lett volna hatásos, és katartikus pillanatot sem okozott volna. Ehhez kellettek jó színészi alakítások is, amelyben itt sem szenvedünk hiányt. Az alhadnagy szerepében Pilou Asbæk (Fácángyilkosok, 2014) szerepel, akinek valljuk be a színészi alakítása viszi el a hátán a filmet. Ez azonban kevés egy kiemelkedő és emlékezetes alkotáshoz, a szórakoztatáshoz viszont tökéletes.

6,5/10

2016. január 10., vasárnap

Magam ura / Mot naturen

Vannak olyan filmek, amelyek pont akkor találják meg az embert, amikor az a leginkább rendelkezik aktualitással az ember életében. Amikor a Magam urát néztem végig arra tudtam gondolni, mennyire félelmetes az, hogy én ezt a filmet pont most nézem. A filmben lévő gondolatok, mintha a sajátjaim lettek volna, mintha benne lettem volna a filmben, mintha kukkoltam volna a főhőst, mintha én lettem volna ő. Nagyon kevésszer érzek ennyire hozzám közeli karaktert, ennyi rokonszenvet, ráadásul minden fajta sallang nélkül hatol be a privátba, mire észbe kapnánk már késő, saját utunkat járjuk, amely a mozgóképben manifesztálódik.
A Magam ura egy oneman-show, a norvég Ole Giæver a film rendezője, írója és magát a főszerepet is ő játssza el, ráadásul a film nagyobb részében csak is őt látjuk és halljuk. Mégsem egy erőltetett monodráma ez, hiszen a filmes keret lehetőséget ad megannyi leíró eszköz igénybevételére. A film tobzódik metaforákban, a természetbe való visszavonulás, az ősi rend megtestesítője, ezáltal a természet a tudat mélyén történő eseményekre utal, csak is itt tud szabad lenni az ember, minden fajta kötöttségtől, konvenciótól itt tud megszabadulni, itt tud szembenézni démonaival.
Giæver karaktere (vagy akár saját) fejébe enged betekintést a film során. Miközben főhősünk Martin elvonul a vadonba, folyamatosan rágódik, gondolatait halljuk, valamint fantáziáját látjuk, miközben túrázik a hegyekben. Martin egy harmincas családapa, aki elég magának való, kiégett már a munkájától, barátai, munkatársai idegesítik, nem tud velük feloldódni, és feleségével sem kiegyensúlyozott a kapcsolata. Gyermekével nem nagyon találja a közös hangot. Annak él, hogy bizonyos időközönként egy hétvégét tölt el a hegyekben, egyes egyedül. Az élet közepi válság minden kérdése felmerül a túra alatt. A film naturalista ábrázolásmódot követ, ahol Martin saját természetéből is ki tud vetkőzni. A meztelenség utal a kendőzetlen belső világra is, és az óhajtott ősi rendre is. A naturalista ábrázolásmód mellé társul Martin eszképizmusa, a társadalmi konvenciók elől menekül a természetbe, de kérdés, hogy kételyei ott meghallgatásra kerülnek e, nem marad e egyedül velük. Ebből ered a film optimizmusa, hiszen vissza kell térnie ahhoz, hogy mindent el tudjon rendezni.
A film egy sajátos egyensúlyt tart fenn, ugyanis mondanivalója általános érvényű, mégis egyediségen keresztül tud hatni. Számos azonosulási pontot határoz meg: munka, családi állapot, kor, nem, karakter (általános), amelyhez elengedhetetlenek a néző kapcsolódási pontjai (egyediség). Ha nem tudunk rákapcsolódni az azonosulási pontokra, úgy nagy valószínűséggel nem tudjuk élvezni a filmet. Ugyanakkor ha elkapjuk, saját természetünkben tudunk egy utazást kivitelezni, és mindenki letudja a saját konzekvenciáit vonni, miközben megküzdött saját démonaival (pl. a bűntudattal).
A kapcsolatteremtési kudarcok gyökerébe is kaphatunk bepillantást Martin fantáziájának köszönhetően. Az apa-gyermek kapcsolat meghatározó lehet ezen kudarcok tekintetében, éppen ezért dilemmaként jelenik meg, hogy vajon saját gyermekének milyen felnőtt kora lesz. A szexualitásról való fantázia, az önkielégítés kompenzálja ezt a kudarcot, ugyanakkor ez a szimbóluma is a kudarcoknak.
A változás iránti igény filmje ez, ahol az ember lezongorázhatja magában a változási irányokat, miközben rákapcsolódik Martin gondolataira, érzéseire, emlékeire. Martin élete nem ettől az egyetlen vadonban töltött hétvégétől fog megváltozni, mint ahogy mi sem az ő történetétől kapunk fényt, csak emlékeztet arra, amit elvileg egyébként is tudunk, amit látnunk kellene.

8/10

2016. január 7., csütörtök

2016. január 6., szerda

1001 gramm

Bent Hamer (Dalok a konyhából, 2003) 2014-es alkotása jelölve volt a legjobb külföldi film kategóriában az Oscar-ra. Azóta tudjuk, hogy nem a norvégok zsebelték be a szobrocskát, amely talán köszönhető a film nehezen emészthető, ugyanakkor jó értelemben vett morbiditásának. 
Az 1001 gramm valami elementáris erővel próbál különbözni, zsánerektől elrugaszkodni, ugyanakkor ez annyira sikerül neki, hogy tulajdonképpen műfajok felett áll, rossz száj ízzel se ilyen, se olyan. Ebből adódóan sokaknak okozhat csalódást, hiszen abból a komfortzónából zökkent ki minket, amely a film élvezetét biztosítja, mégpedig a referencia pontokat. A morbid az egyébként az egészben, hogy a film témájából adódóan igen is referencia pontokhoz köt. 
Marie (Ane Dahl Torp) ugyanis a norvég mérésügyi intézet munkatársa, ahol laboratóriumi körülmények között dolgozik, és a súlyoknál nagyon fontos a precízség és a pontosság. Magánélete kimért, szinte semmiben sem különbözik a laboratóriumi körülményektől, lakása rideg, mindennek helye van, nincs egy kint felejtett cipő sem. A magánélet eme része, és a munka monotonitásából édesapja farmja az egyetlen kizökkentő tényező, ahol még képileg is gyönyörű színeket kapunk, a sokszor hétköznapi fekete-fehérbe hajló fényképezés mellett. Ha jobban belegondolunk, így van Marie egyensúlyban, ebben a helyzetben így tud működni. A pontosság, a tervezhetőség jelenti életében a referencia pontot. 
A film maga, pedig pont ellenkezőképpen működik, mint amiről szól. Nem elég drámai, mert karakterei kimértek, keveset mutatnak magukból, direkt érzelem kifejezést nem nagyon engednek meg maguknak. Nem lehet vígjátéknak sem tekinteni, ugyan humor jócskán van benne, de ahhoz fajsúlyos témákat boncolgat. Ugyanakkor ott van benne a szerelmi szál is, tehát mindenből van, mégsem köthetjük egy korábban kialakított sémához. Éppen ezért nehéz érzelmi kötődést kialakítani vele, amelyet megnehezít a viszonylag lassú történet mesélés is. 
Ennek ellenére mégis működik a film. Egyrészt a humor miatt, amely kellő visszafogottsággal van adagolva, és a groteszk a legjobb jelző rá. Amikor nem tudjuk eldönteni, hogy ez most komoly, és legszívesebben csak legyintenénk rá, ugyanakkor valósnak is felfogható a történet, akkor meg azon nevetünk kínunkban, hogy ez véresen komolyan megtörténik, és a hétköznapiságtól mérföldkövekre áll. A legjobb példa erre a mérésügyi súly konferencia, ahol a tudósok "szakviccet" mesélnek egymásnak, vagy már maga a tény, hogy a nemzeti kilókat felvonultatják ezen a konferencián és arról vitáznak, hogy melyik sztenderd szerinti súly a legalkalmasabb arra, hogy az adott országban ahhoz kalibráljanak mindent. Aztán ami beindítja a történéseket az a főhősnő kalibrációs bizonytalansága, amikor is a kiszámíthatóság, a pontosság, mint referencia szerte foszlik. Apja halálával megindul a lavina, válás, szerelem, autó baleset, ennek következtében a nemzeti kiló tönkre tétele. Marie-nak meg kell találnia az útját, mert a régi út már járhatatlan. A norvég nemzeti kiló mint metafora zseniális találmány a filmben. A kiló kijavítása mint feladat, gyakorlatilag Marie saját életének rendbe tételét jelenti, a nyitottságot az örömre, az élményekre, a másikra. Ahogy Marie kezd megnyílni, úgy lesz egyre színesebb a képvilág is a filmben, úgy kezd a kezdetben morbid humor átalakulni, jóleső, könnyed nevetéssé. Félelmetes az is, hogy a színészi játék is ekkor kezd feltűnni az embernek. A kezdeti rideg, mimikátlan gesztusokat felváltja, az élettel teli viselkedés, apátiából a végére megjelenik az emocionális töltés is.
Aki a film "nemtudomhovatenniségén" nem tud felül kerekedni, nem lesz képes megtapasztalni a film dinamikáját, hiszen egyértelműen tart valahonnan valahová. Minden egyes eszközével utal a változásra, a képi világgal, a zenével, a színészi játékkal, és magával a referencia ponttal is: a nemzeti kilóval mint metaforával. A film a maga lassú tempójában, ennek a dinamikának a végigkövetése, amely katartikus élményt okoz. A film címének is van jelentősége, a "tudományos" hátterét nyilván ez szolgáltatja. Marie végső szakmai feladata is ehhez köthető, egyszersmind lezárva a múltat, amely egyértelmű utalás (tisztelgés) Alejandro González Iñárritu 21 grammjára. Ha egy szóval akarnám a filmélményt jellemezni akkor az érdekes szó lenne a legalkalmasabb kifejezés. Furcsasága, és minden hibája ellenére emlékezetes darab.

7/10

2016. január 5., kedd

Krigen trailer



A leginkább várós mégis az új Tobias Lindholm (Emberrablás, 2012) film, már szomjazom a mellkasra űlős hiperrealista dán drámára. Az igazság az, hogy anno Susanne Bier Testvéred feleségét is bejött, éppen ezért egy csöppet sem tartok a film military vonalától. Pilou Asbæk méltán lett az elmúlt évek "fiatal" dán színész üdvöskéje, hatalmasat tud játszani, egyenesen Mikkelsen nyomdokaiban jár.

Under Sandet trailer



Annyi ígéretes dán film lesz ebben az évben. Martin Zandvliet harmadik nagyjátékfilmjét nagyon várom, eszméletlen közvetlenek a filmjei, a 2009-es Tapsvihar-ért rajongtam Paprika Steen-nel, de ez sem lesz semmi. Mikkel Boe Følsgaard nevét az Egy veszedelmes viszony (2012) dilis hercege miatt illik ismerni, Roland Møller pedig guilty pleasure nálam, de egyébként jól játszott a csávó az R-ben (2010) és az Emberrablásban (2012) is. Várós!

Reggelem


2016. január 4., hétfő

The Danish Girl trailer



Imádom ezt a nőt!!!

Ich Seh, Ich Seh / Goodnight Mommy

A különleges atmoszférát kedvelőknek valószínű csemege lehet ez a film. Ez azért egyedülálló a filmben, mert mindenféle hatásvadászat nélkül éri el a célját, hiszen szorongunk végig a film alatt. A film minimalizmusa tehát nem zavaró e tekintetben, azonban pont ebből adódóan nem halmoznak el minket információkkal, és emiatt a történetvezetés igen vontatott. Ugyanakkor érződik, hogy nem is ezen lesz a hangsúly, hanem a pszichés hatáson, ami viszont kegyetlenül működik a filmben. 
A gyermekeket érintő igazságtalanságot és erőszakot egyre több alkotó kezdi felfedezni magának. Rengeteg lehetőség van benne, hiszen eddig jóformán tabu témának számított ez a dolog. Severin Fiala, és Veronika Franz rendezőként, és forgatókönyvíróként együtt jegyzik a filmet. Kitűnően ráéreztek a kiszolgáltatottságból eredő feszültségkeltés ízére, amely által végig bizonytalanságban tudják a nézőket tartani. A bizonytalanság ered a tabuk feszegetéséből, de a történetvezetés is elég ingatag lábakon áll (gondoljuk a film nézése közben), hiszen elég sok furcsa dolog történik, vagy történnie kellene, és mégsem teszi. Ezekre nem kapunk közben magyarázatot, ezért ez a faktor is bizonytalansággal tölt el minket. Két dolog lehetséges: vagy azt gondoljuk, hogy ennyire nem lehet idióta egy családszerkezet, és rögtön felhördülünk azon, hogy hogyan is lett ez megírva, vagy erősen figyelünk, mert élünk a gyanúperrel, hogy mindennek oka van. Jómagam megéltem mindkettőt, de azért résen voltam, és ezáltal számomra elég hamar nyilvánvalóvá vált a film végső (és egyébként zseniális) csattanója. A baj az, hogy dramaturgiailag sem nehezítették meg a dolgunkat, a történet felépítése egybe vág a furcsaságokkal, és ráadásul még következetes is ezek tekintetében. A traumafeldolgozás sajátos módja mesterien van ábrázolva, azonban rideg a film, ridegek a karakterek. A cirka másfél óra alatt nem is nagyon ismerjük meg őket, ezáltal nincs meg az emocionális faktor a filmben. Szimpátia, vagy annak az ellentéte nélkül nehéz átérezni egy történetet, még akkor is, ha a végére megértettük azt. Ezt a szegmenst nem kalkulálták a filmhez, éppen ezért nem lehet hozzá kötődni, kevésbé lesz emlékezetes. Csak a fura hangulata marad meg, és az, hogy kiszámítható volt a történet. Ez bizony egy jól sikerült alkotástól igen távol van. A Babadook is a traumafeldolgozás köré szerveződött, azonban mérföldkövekkel jobban működött pont azért, mert a karakterek fejlődésére nagy hangsúlyt fektettek. A végkifejlet alapján is egy szerethetőbb alkotás volt, mert az a maga szörnyűségeivel is optimista kicsengéssel rendelkezett, addig ennek a filmnek a pesszimizmusa az élettől is elveszi az embernek a kedvét.

6/10 

2016. január 3., vasárnap

Welp / Cub

Jonas Govaerts belga rendezőről ezidáig nem nagyon hallottam, pedig elég komoly rövidfilmes múltja van. A Welp az első játékfilmje, és lévén horrorról van szó, nagy fába vágta a fejszéjét. Goaverst hiába van fizikailag közel a franciákhoz, ezen a filmen nem nagyon érződik a francia hatás, sőt tulajdonképpen elég nemzetközi alkotás ez, inkább hajaz az amerikai "független" horrorokhoz. Nem baj ez, mert alapvetően rendelkezik azzal a tulajdonsággal, hogy gondolkoztat, de dramaturgiailag sajnos nem tud elszakadni a sémáktól. Helyesebben pont annyira szakad el, mint az említett amerikai fajták. Éppen ezért nem találni a film mögött egyedi stílust, vagy rendezői világlátást, de ez azért megbocsájtható egy első filmnél. 
Ehelyett viszont teremt egy elég feszült atmoszférát, amelyet egyrészt az ismeretlen vadon indukál, másrészt pedig maga az alaptörténet. A főszereplő gyermek, valamint a táborozó gyermekek kiszolgáltatottsága, és végeredményben kálváriája az ember legősibb ösztönére hat, mégpedig a gondoskodási ösztönre. 
Ebből adódóan hatalmas feszültségeket kelt a mozi, mégsem engedi ezeket a felszínre jutni, éppen ezért a mellkasra ül nagyon a történet. Nagyon hosszú az előkészítés, és kevés az a cselekmény, amelyben a feszültség oldódni tudna. Kevés a klasszikus üldözős és vérengzős jelenet, kevés időt hagytak neki, vagy pedig tudatosan ezt a felépítést szánták a filmnek. A vége felé válik világossá, hogy egy kapcsolati kötelék kialakulásának vagyunk szemtanúi, de ez sem nagyon hatja meg az embert, mert nincs benne emocionális töltet, nincs megfelelően előkészítve.
Ami viszont meglepő, hogy a gyermekszínészek nagyon természetesen játszanak. Nincs megjátszás, pont úgy működnek, mint a cserkész táborozók. Klikkek vannak, ha kell összetartanak, illetve szekálják is egymást az adott esetben. Főhősünk természetesen peremhelyzetben van, amire ő nagyívben tesz, pont úgy ahogy a hús-vér társadalmi beilleszkedési zavarral küzdő gyermekek. Ezzel szemben a felnőttek karakterei elég sematikusak, a carpe diem és a negatív tulajdonságaik szinte jelzik, hogy hullaniuk kell.
Ami miatt mégsem írnám le teljesen ezt a filmet az, hogy a gyermekkori magatartászavart elég objektívan mutatja be. A deviáns gyermek mindenáron próbál kötődni, és végtére is ez lesz a veszte. Ha ebben a gondolatmenetben tekintünk a filmre akkor jól működik, csak az kár, hogy eszközhasználatban nem törekedett az egyediségre.

6/10

2016. január 2., szombat

Terminator Genisys

Amikor nekiálltam az új Terminator-nak azt gondoltam, hogy lehetetlen, hogy ez megint félrement. A kellő izgalom a szkepticizmusomat végül legyőzte, és nem érdekelt, hogy ez a film aztán tényleg kapott hideget és meleget is. Már csak azért sem, mert az előző Terminator-t, a Salvation-t is sokan lehúzták, aztán nekem meg szódával elment, több volt benne, mint a Gépek lázadásában, csak nem igazán vitte előrébb a történetet.
A Genisys-sel ha minden igaz egy trilógiát kezdenek el, így valószínűsíthetően kapni fogjuk bizonyos rendszerességgel majd az epizódokat. Hogy jó e ez nekünk? Na, lássuk!
A Terminator univerzum nagyon egyszerű, annak ellenére, hogy egy kis időutazással meg van spékelve. Az emberek gépek feletti győzelme egy ponton túl már csak úgy valósítható meg, ha belepiszkálunk a múltba. Fontos, hogy Connor megszülessen, hogy egy erős harcos a végső győzelem felé terelje az események láncolatát. Az első és második, de tulajdonképpen még a harmadik rész is erre az egyszerű logikára épít. Nyilván a gépek őt, illetve az anyját akarják likvidálni, hogy a jövőt megváltoztassák. Nos a Genisys is erre a logikára épülne, de itt jön a de. Ugyanis hiába örülünk, hogy végre látjuk a jövőből az első részben elmesélt eseményeket, hirtelen minden megváltozik, egyszersmind maga a Terminator univerzum íródik át. Ez egy merész húzás a szerzők részéről, egy cseppet sem kockázatmentes, azonban van benne potenciál abban a tekintetben, hogy nem lerágott csontot kapunk újból. Mégis ez az új alapokra helyezés szinte végig szembe megy a korábban felépített univerzummal, a régihez gyakorlatilag nem kötődik, nincs visszacsatolás, így a hiteltelenség útján kezd haladni. Ha jobban belegondolunk ez egy reboot, amely minden látszat ellenére valami mást akar mesélni, mint amit eddig meséltek nekünk. Az egész filmet egy óriási ellentét feszíti. Egyrészt az új alapokra helyezésből adódó újdonság hatása (amelyet egyébként a trailer olyan mesterien lelő, hogy tanítani kellene), másrészt pedig az eredeti történetet idéző nosztalgiahatás. A szerzők szándéka talán az volt, hogy a hardcore fan-ek, és a "fanyalgók" is megtalálják a számításukat, de ez pont ellentétére fordul szerintem: sem ilyen, sem olyan nem lesz ezáltal a film. Nosztalgiával átitatott újdonság helyett, kapkodó ötletkavalkádot kapunk. Ez a kavalkád persze betudható annak is, hogy trilógiát terveznek, de végtére is teljesen mindegy. Egy kifordított Terminator történetet kapunk, amelyben kiderül, hogy eddig teljesen hülyének néztek minket (kb. ahhoz tudnám hasonlítani, mikor a Dallas-ban Bobbie feltámadt). Az idővonalba történő belepiszkálás pedig éppen elég egy jó, és érthető sci-fi-hez, ráadásul erre épül T univerzum is, úgyhogy nem tartom jó húzásnak az alternatív valóságok behozatalát, itt válik komolytalanná az egész.
Egy költői kérdés: nem találni manapság legalább egy Linda Hamilton kaliberű színésznőt Sarah Connor szerepére? Más az, amikor tv filmekben és sorozatokban kell elbohóckodni (Emilia Clarke), de Sarah szerepére létezhetetlen, hogy nem találtak karizmatikus fiatal tehetséget. Connor-t ezúttal Jason Clarke alakítja, amely a karakterében bekövetkező változása szempontból volt jó választás (bár jómagam inkább néztem volna ismét Christian Bale-t). Amennyiben azt gondolnánk, hogy Arnold Schwarzenegger jelenléte hozza el a cikiség faktort a filmbe, akkor tévedünk. Schwarzi hoz fényt a sötétségbe, egyedül az ő jelenléte alapozza meg a tipikus Terminator atmoszférát.
A rendezést nem adtam volna oda Alan Taylor-nak, aki ezidáig jóformán csak sorozatepizódokat rendezett. Külön félelmetes számomra a cgi orgia a filmben. Kell, hiszen megagiga látványra szomjazik a nép, ezidáig oké is. Viszont tényleg eljutunk odáig, hogy nem kellenek majd színészek a filmbe (akciófilmekben akkorát nem is alakítanak ugye), a fiatal Schwarzi tényleg jó lett. Mindig mondom nem szabad a cgi-nek célnak lenni, az egy eszköz!!
Nem átütő, nem korszakalkotó, nyögvenyelősen újító, de az alapokat felforgató, és nem tisztelő alkotás ez. Nem gondolnám, hogy értelme van ennek, és azt sem, hogy még két film ebből életképes lehet. Szegény Terminator-t hagyni kellene már nyugodni békében.

4/10